De todos los músicos de Estados Unidos, nadie ha tocado la fibra sensible de los estadounidenses como Copland.
El famoso compositor estadounidense Aaron Copland escribió al comienzo de su autobiografía "Copland: 1900-1942": "Para un compositor, la música es un lenguaje... Detrás de la partitura, e incluso detrás de los distintos sonidos interpretados". , hay emoción que habla. "Copland dio a Estados Unidos un lenguaje musical único con su música". Es el lenguaje de la tierra y el pueblo estadounidenses, el lenguaje de la historia y la mitología estadounidenses, y contiene sentimientos y comprensiones de los estadounidenses comunes y corrientes.
El 14 de noviembre de 1900, Copeland nació en Brooklyn, Nueva York, en una familia de inmigrantes judíos rusos. Su padre era dueño de unos grandes almacenes. Copeland mostró talento musical desde el principio. Escribió su primera canción cuando tenía 8 años, pero no comenzó su formación musical formal hasta los 13 años. Aunque Copland empezó tarde, su habilidad musical y su diligencia le permitieron alcanzarlo por detrás.
A los 15 años estaba decidido a componer música, por lo que comenzó a estudiar armonía, coordinación de melodías y composición con Rubin Geldmark antes de graduarse en la escuela secundaria. Cuatro años más tarde, el estilo tradicional y conservador de Geldmark ya no pudo satisfacer la búsqueda de la música del joven Copland. En 1921, Copland fue al Conservatorio Americano de Música en Fontainebleau, Francia, y se convirtió en estudiante de la famosa compositora Nadia Boulanger.
En estos momentos, París, la capital del arte, está gestando una nueva tendencia. Los escritores Eliot y Pound que emigraron a Europa, los pintores surrealistas Braque y Ernst y los compositores franceses del "Grupo de los Seis" Poulenc y Millaud abandonaron la tradición e hicieron audazmente nuevas innovaciones en sus respectivos campos artísticos. En esta atmósfera de puro modernismo, Copland escribió su primera obra orquestal, Graf.
En 1924, Copeland regresó a China después de completar sus estudios. Antes de dejar París, Boulanger invitó a Copland a componer un conjunto orquestal y de órgano para ella, en el que Boulanger actuó como solo de órgano. Después de su estreno en Nueva York, esta obra moderna recibió críticas mixtas de críticos y públicos que se sintieron novedosos y conmocionados. Copland reconoció claramente las huellas del estilo europeo en sus obras y estaba decidido a crear con un lenguaje musical americano único.
Años después, recordó en una entrevista con el New York Times: "Yo era plenamente consciente de las diferencias entre los compositores franceses y los compositores alemanes. Igor Stravinsky Sonaba tan ruso. Tenía muchas ganas de escribir en serio". música con un estilo americano único En 1925 y 1926, Copland compuso "Drama Music" y "Piano Concerto" y los incorporó al Jazz. Pero los críticos pensaron que sus esfuerzos eran demasiado artificiales, ya que los elementos del jazz sonaban más como símbolos de la identidad estadounidense que como expresiones de emociones personales.
Además de componer, Copland también presentó y promovió vigorosamente al público las obras de otros jóvenes compositores estadounidenses. En 1928, coorganizó la serie de conciertos Copland-Saison con el compositor Roger Saison, que brindó al público de Nueva York la oportunidad de apreciar y comprender la música estadounidense contemporánea durante varios años consecutivos. A partir de 1932, organizó y presentó el Festival Americano de Música Contemporánea en Nueva York. Al mismo tiempo, el estilo musical de Copland volvió a cambiar.
Las obras de este período, como "Oda a una sinfonía", "Variaciones para piano" y "Sinfonía corta", dan a la gente una sensación abstracta, sutil y vacía. No sólo son bastante difíciles de interpretar, sino que sus ritmos abruptos y tonos disonantes a menudo hacen que los oyentes se sientan confundidos y repelidos.
Durante la exploración, Pulan gradualmente se dio cuenta de que la música debía orientarse a una audiencia más amplia y no solo a sus pares en la industria musical, y que crear obras simples y populares era lo más desafiante para él. En 1936, un viaje a México abrió nuevas vías creativas para Copland. Escribió "Mexican Dance Hall" basado en la música folclórica mexicana, lo que despertó respuestas entusiastas del público. Durante la siguiente década, Copland siguió inspirándose en la música regional.
Integró en sus creaciones la música folklórica americana del siglo XIX, como los himnos de Nueva Inglaterra y la música de los vaqueros occidentales, transmitiendo un sentimiento sencillo y natural con un lenguaje musical sencillo y expresivo y "la esencia del americanismo". gente? Su humanidad, su timidez, su dignidad, su encanto único" ("Copland: 1900-1942"). El nuevo trabajo de Copland le valió honores sin precedentes y un público más amplio, pero también atrajo críticas y burlas de algunos de sus compañeros músicos, que lo acusaron de traicionar el arte de la música.
A este respecto, Copeland se defendió: "Ganar una audiencia fue sólo una parte de la razón por la que escribí estas obras. Al igual que mis primeros trabajos apresurados de jazz, estos trabajos me dieron la oportunidad de intentar ser más local". La oportunidad de la tradición musical. Siento que he tocado la esencia natural de la música que necesitamos desesperadamente. Los finales de los años 1930 y toda la década de 1940 fueron el apogeo creativo de Copland. Sus obras incluyeron sinfonías, una amplia gama de formas que incluyen ballet y ópera. , película, canción, drama, etc. Copeland ha compuesto la música de cinco largometrajes, entre ellos "Of Mice and Men", "Small Town", "Northstar", "Red Horse" y "The Succession". Su música añadió color a la película sin eclipsar la actuación en sí y se convirtió en un modelo para las bandas sonoras de películas posteriores.
El Times Literary Suplement calificó la música de "Of Mice and Men" y "Small Town" como las mejores bandas sonoras cinematográficas de la historia, y "The Heir" ganó el Premio de la Academia a la mejor banda sonora cinematográfica. Los logros de Copland en la música de ballet son incluso mayores que los del cine. Su biógrafa Julia Smith escribió: "A través del ballet, Aaron Copland expresó la fuerza, el poder y la fe de la tradición estadounidense en un lenguaje musical contemporáneo que ningún compositor estadounidense había logrado jamás.
Sentó las bases de la cultura estadounidense artes nacionales y estableció una reconocida tradición musical estadounidense. "Las partituras de ballet más conocidas de Copland incluyen "Billy the Boy", "The Horse Show" y "Appalachian Spring". "Appalachian Spring" ganó el Premio Pulitzer de Música y el Premio de Nueva York. Premio del Círculo de Críticos de Música.
A pesar de sus brillantes logros en el campo de la música popular, Copland nunca abandonó la exploración de la música seria y siempre esperó ganarse el aprecio y el respeto de audiencias altamente musicales con su música exquisita y elegante. A principios de la década de 1940 compuso la "Sonata para piano", la "Sonata para violín" y la "Tercera sinfonía", compuesta para conciertos, esta última fue nombrada mejor obra orquestal de 1946 a 1947 por la Asociación de Críticos Musicales de Nueva York.
Además, también fueron bien recibidos el poema sinfónico "Retrato de Lincoln" y la música orquestal "Cheering for Ordinary People" en memoria del presidente estadounidense Lincoln. Desde la década de 1950 hasta la de 1960, Copland volvió al estilo abstracto de vanguardia con el que había experimentado en sus primeros años. "Piano Quartet", "Piano Fantasy" y "Connotation" son obras representativas. Vale la pena mencionar que los "Doce poemas de Emily Dickinson" de Copland y la ópera "Hot Earth" creada en la década de 1950 combinan estilos serios y populares y están catalogados como sus mejores obras.
Una parte importante de la carrera musical de Copland fue la educación y popularización de la música. Desde mediados de la década de 1920 hasta finales de la de 1930, Copland dio conferencias sobre música moderna en el New Society Institute. Durante 25 años, de 1940 a 1965, se desempeñó como director del departamento de composición del Berkshire Music Center, organizado por la Orquesta Sinfónica de Boston, y fue mentor de varias generaciones de compositores estadounidenses. A principios de la década de 1950, las conferencias de música que dio en la Universidad de Harvard fueron recopiladas y publicadas en 1952 con el título "Música e imaginación". Además, también presentó y promovió la música moderna estadounidense al público de todo el país y publicó obras como "Cómo escuchar música" y "Nuestra nueva música".
En 1970, Copland dejó repentinamente de componer y se convirtió en director de orquesta. Diez años después, dijo en una entrevista: "También me sorprende que no tengo ningún sentimiento de pérdida. Debo haberme expresado plenamente. No me siento incómodo ni resentido en absoluto. Simplemente siento que tengo "Tuve tal pérdida". Es una bendición poder crear durante largos períodos de tiempo y estar bien con ello cuando todo termina.
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El "Washington Post" lo explicó de la siguiente manera: "El estatus de Copland equivale al de un monumento nacional; basta con que exista y sea visto". "En 1964, Copland se convirtió en el primer compositor estadounidense en recibir una medalla. En 1979, recibió el premio Kennedy Center Honors por sus contribuciones a la cultura estadounidense. En 1986, el presidente Reagan le otorgó la Medalla Nacional de las Artes.
El 2 de diciembre de 1990, Copeland, que había sufrido varios derrames cerebrales, murió de neumonía a la edad de 90 años. Su carrera musical abarcó casi todo el siglo XX. De todos los músicos clásicos de Estados Unidos, ninguno ha tocado una fibra sensible. con estadounidenses como Copland. "