Violín
violín
Instrumento de cuerda. Instrumento de cuerda frotada ampliamente difundido en todo el mundo y utilizado en las orquestas modernas. Ocupa una posición muy importante en la música instrumental y es la columna vertebral de la orquesta sinfónica moderna. También es un instrumento solista con altas habilidades interpretativas. La aparición de los violines modernos tiene una historia de más de 300 años, y su producción en sí es una tecnología artesanal extremadamente delicada. Su pronunciación es similar a la voz humana, y es adecuada para expresar emociones suaves, cálidas, ligeras, brillantes e incluso las más dramáticas. A lo largo de los siglos, compositores famosos de todo el mundo han escrito una gran cantidad de obras clásicas para violín y los violinistas han desarrollado exquisitas artes escénicas con este instrumento.
Forma y estructura El violín está compuesto por 70 partes. Sus componentes principales incluyen clavijero, cuerpo, mástil, clavijas, cuerdas, puente, mentonera, arco, etc. Su vista en sección transversal y su nombre se muestran en la figura.
El cuerpo del violín (caja de canto) mide unos 35,5 cm de largo y está formado por paneles curvados, paneles traseros y paneles laterales. La tapa suele estar hecha de abeto, que tiene una textura más suave; los paneles traseros y laterales están hechos de arce, que tiene una textura más dura. El clavijero y el mástil están hechos de arce macizo y el diapasón es de ébano. La calidad del sonido de un violín depende básicamente de su madera y estructura correspondiente, de la frecuencia de vibración de la madera y de su reacción ante la vibración de las cuerdas. Un piano de alta calidad puede difundir el tono fundamental y los armónicos de cada sonido emitido con la misma sensibilidad.
4 cuerdas. Originalmente eran cuerdas desnudas hechas de intestinos de oveja. Aproximadamente desde el siglo XVIII, la cuerda G grave se cubría a menudo con alambre de plata para que respondiera mejor. En los tiempos modernos, las cuerdas de sol, re y la se enrollan con cuerdas de tripa o alambres de acero envueltos con alambres de metal. Más recientemente, también se utilizan cuerdas de nailon. La cuerda Mi se cambió por una cuerda de acero para darle un mejor tono en el rango de agudos.
La razón por la que se fabrican violines con este estilo moderno no se basa exclusivamente en la apariencia estética, sino en las necesidades de acústica y rendimiento. El panel y la parte posterior del violín son curvados, lo que hace que suene bien y resonante; la cintura del violín es estrecha, lo que facilita tocar las cuerdas altas y bajas. El panel y la parte posterior están incrustados, además de evitar que la tabla se agriete. Bueno para la interpretación del violín. La calidad del sonido también influye. Entre el panel y el panel posterior hay un soporte para la columna de sonido, y los cambios en su posición tienen un impacto significativo en el tono del violín. En la parte inferior izquierda del panel está pegada la viga de graves, que no sólo sirve como refuerzo, sino que también tiene un efecto sonoro. Si la pintura de la superficie del violín es demasiado dura, demasiado blanda o está pintada de manera desigual, dañará la calidad del sonido. Cuando la fricción entre el arco y las cuerdas hace que las cuerdas vibren, el puente hace que la parte superior vibre y los postes de sonido vibren la parte posterior. Dado que el poste de sonido está apoyado en el lado de la cuerda Mi del puente, la cuerda Mi vibra menos, mientras que la cuerda Sol vibra más, lo que hace que el haz de graves vibre más y que la caja de resonancia vibre. Que el sonido del piano se pueda ejercer plenamente depende de las cuerdas y su tensión, la calidad del puente y la presión y velocidad del arco. Para expresar los distintos tonos del piano, también se deben agregar las habilidades de interpretación del intérprete, como el arco, los dedos, el vibrato y otras habilidades.
Historia de la producción Es imposible saber quién inventó el violín por primera vez. El violín moderno se volvió familiar para la gente alrededor de 1550 y evolucionó a partir de los instrumentos musicales populares de la época, el rebeck y el tilly. Generalmente se dice que Viol, el predecesor del violín, no tuvo una influencia decisiva en la formación del violín moderno en términos de estructura, afinación y habilidad para tocar. Alguna vez se creía generalmente que Milán, Venecia, Brescia y Cremona, en el norte de Italia, eran el lugar de nacimiento del violín. A finales del siglo XVI, surgieron dos famosas escuelas de fabricación de violines en la industria italiana de fabricación de violines. Una fue la escuela de Cremona representada por Amati y sus hijos, la otra fue Gasparro de Salo (1540 ~ 1609) y la escuela de fabricación de violines de Brescia; representado por su alumno G.P. Los violines fabricados por estas dos escuelas tienen sus propias especialidades, después de cientos de años, siguen siendo tesoros de alta calidad.
1650-1750 fue la edad de oro de la fabricación de violines, con la aparición de muchos fabricantes de violines famosos, como N. Amati, J. Steiner y A., considerado el fabricante más destacado de Stradivari y G. Guarneri et al. Los violines fabricados por Amati tienen curvaturas más grandes en la parte superior y trasera y tienen una buena calidad de sonido. Se utilizan para tocar música de cámara, como una soprano brillante. A finales del siglo XVIII, G.B. Viotti elogió el Stradivarius. Después de que los maestros de Viotti, G. Pugnani y N. Paganini, se enamoraran de los Guarneri, la obra fue apreciada por la gente y alcanzó gran fama. Los instrumentos Stradivarius y Guarneri tienen la potencia acústica necesaria para interpretar conciertos en salas.
Después del siglo XVIII, la posición de liderazgo de la industria de fabricación de violines pasó de Italia a Francia. Durante este periodo la forma del violín siguió mejorando, consiguiendo mayor volumen y mejor calidad de sonido. El fabricante de violines francés N. Lubo (1758-1824) tomó Stradivari como modelo y combinó técnicas de fabricación de violines francesas e italianas. Al mismo tiempo, el francés F. Tourt (1747-1835) realizó importantes reformas en la longitud, el peso, la forma, el dispositivo y otros aspectos del arco hacia 1785. El desarrollo del violín durante este período reflejó la naturaleza cantada de las obras de J. Haydn, W.A. Mozart y L. van Beethoven, así como mayores cambios en el arco y otros requisitos de interpretación del violín.
De 1789 a 1799, después de la Revolución Francesa, con el declive de la nobleza y la familia real, la música también pasó de la corte al sector privado, y aparecieron orquestas sinfónicas y salas de conciertos al servicio del público. Para adaptarse a los cambios del entorno, el violín necesita aumentar de volumen. Desde finales del siglo XVIII hasta principios del XIX, el mástil del violín se hizo más largo, más delgado y se inclinó hacia atrás: el diapasón se hizo más largo y el puente tenía un arco más grande que ya había sido cubierto; alambre de plata. El objetivo de estos cambios es adaptarse a mayores tensiones. El crecimiento de las cuerdas aumenta la presión sobre la superficie del instrumento, por lo que el haz de graves se vuelve más largo y grueso, y la columna de sonido se vuelve más gruesa para obtener un sonido más grande y potente. Hacia 1820, L. Spohr inventó la mentonera, que liberaba a la mano izquierda de asumir plenamente la función de sujetar el piano. La configuración de la mentonera facilita que la mano izquierda cambie las cuerdas, el vibrato y presione las cuerdas.
A finales del siglo XVIII aparecieron uno tras otro conservatorios en Europa, lo que aumentó enormemente la demanda de violines y promovió el desarrollo de la industria del violín fabricado a máquina. Mircoux en Francia y Mittenwald en Alemania son lugares donde se producen grandes cantidades de violines. El francés J.-B. Villom fue una figura famosa en la industria de fabricación de violines del siglo XIX.
Villaume contrató a algunos trabajadores para que fabricaran violines bajo su dirección y los vendiera bajo su propia marca. Coleccionó muchos pianos de alta calidad que se perdieron en manos privadas de todo el mundo y los envió a intérpretes, coleccionistas o museos.
China ha gozado de una reputación internacional en la fabricación de violines en los últimos años. El violín de la marca Hongmian fabricado por Chen Jinnong de la Fábrica de Instrumentos Musicales de Guangzhou ganó la "Medalla de Oro a la Calidad del Sonido" en el 4º Concurso Internacional de Fabricación de Violines en los Estados Unidos en 1980; el violín fabricado por Dai Hongxiang de la Fábrica de Violines de Beijing ganó el premio; Concurso Spohr celebrado en Kassel, República Federal de Alemania en 1983. “Medalla de Oro a la Calidad del Sonido” en el Concurso Internacional de Fabricación de Violines.
Puntos clave de interpretación: El violín es un instrumento cantor melódico. Por lo tanto, cómo producir un sonido rico y hermoso similar al de un canto en el violín es la cuestión más importante al tocar el violín. En lo que respecta a las técnicas para tocar el violín, existen las siguientes habilidades básicas principales.
Un intérprete con un excelente arco puede producir sonidos siempre cambiantes en el violín. En lo que respecta al arco, depende de la velocidad del arco, la presión del arco sobre la cuerda y el contacto. punta del arco y la cuerda diferentes combinaciones de factores. Hay muchos métodos de arco para violín, los principales son los siguientes: ① arco dividido: un arco toca una nota; ② arco continuo: un arco toca muchas notas; ③ arco de pausa: una pausa entre notas; deja las cuerdas. Estos cuatro tipos de arco son los más básicos. A mediados del siglo XX, el arco continuo, es decir, tocar muchos tonos en un arco con pausas entre ellos, se consideraba un truco, por lo que la gente tocaba el violín. "el arte de inclinarse".
Afinación: El violinista presiona las cuerdas con los dedos de su mano izquierda para acortar la longitud de vibración de la cuerda y cambiar su afinación. El intérprete puede presionar con precisión los dedos en la posición exacta de la cuerda en diversas condiciones para lograr una buena entonación. Este es el resultado de años de práctica y también es una habilidad esencial para un intérprete calificado. Los violinistas determinan el tono dentro del rango permitido por el oído humano. Por lo tanto, todos tienen una gran capacidad auditiva para ajustar el tono. A veces, los intérpretes suben o bajan intencionalmente ciertas notas para satisfacer sus necesidades personales de interpretación.
Vibrato: Hacer vibrar los dedos de la mano izquierda sobre las cuerdas provoca fluctuaciones regulares en el tono del sonido, lo que se llama vibrato. El vibrato es un medio de expresión extremadamente importante al tocar el violín. El vibrato se divide en dedo, muñeca y brazo. Los intérpretes excelentes no sólo deben dominar estos tres métodos de vibrato, sino también aprender a usar el vibrato a diferentes velocidades y amplitudes, y utilizar el vibrato de diversas maneras al interpretar diferentes escritores, diferentes obras y diferentes frases. A partir del uso del vibrato, el público puede identificar claramente las personalidades musicales de los diferentes intérpretes.
La posición de los dedos de la mano izquierda sobre el diapasón se llama posición. El mango cerca del clavijero es el mango bajo y el mango cerca del puente es el mango alto. Pasar de una posición a otra se llama cambio de posición. Hay muchas formas de cambiar la posición, como cambiar la posición de las cuerdas al aire, cambiar la posición del mismo dedo, cambiar la posición de diferentes dedos y armónicos, etc. La producción de portamentos poco musicales al cambiar las manijas es un signo de falta de capacitación. El portamento puede hacer que la conexión entre sonidos sea rica en cambios, especialmente cuando se combina con controles cambiantes, es un medio expresivo de tocar.
Los violines de doble tono y de acordes pueden tocar dos tonos o incluso tres tonos al mismo tiempo, y también pueden tocar acordes de cuatro notas por separado. Esto no sólo enriquece su poder expresivo, sino que además no depende de ellos. el acompañamiento de otros instrumentos. Las escalas de notas dobles de terceras, sextas, octavas y décimas del violín son la base para tocar notas dobles y una habilidad básica que los violinistas deben practicar durante toda su vida. El vibrato de la mano izquierda, los armónicos, el punteo, etc. al tocar el violín son técnicas avanzadas.
El desarrollo del arte de la interpretación En el siglo XVI, cuando el violín empezó a aparecer en Italia, se utilizaba generalmente para acompañar el baile, el canto o directamente tocar canciones. A principios del siglo XVII, con la aparición de la sonata para violín, la tecnología interpretativa también se desarrolló en consecuencia. En su creación en 1627, C. Farina (alrededor de 1600 ~ 1640) utilizó tonos dobles, trémolos, trinos y posiciones altas, y simuló los sonidos de maullidos de gatos, ladridos de perros, flautas, tambores, guitarras y otros sonidos. Algunos intérpretes y compositores también siguieron su ejemplo; como resultado, obras que simulaban los sonidos de cucos, ruiseñores, gallos, etc. inundaron el panorama musical de aquella época. No fue hasta la segunda mitad del siglo XVII que el compositor y violinista italiano A. Corelli encaminó el arte del violín por el buen camino.
Escuela Italiana de Violín Corelli es el fundador de la Escuela Italiana de Violín. Confirmó que el violín es esencialmente un instrumento para cantar. Las sonatas que escribió abandonaron esos efectos no musicales del movimiento Allegro y se centraron en la formación de melodías brillantes y enérgicas. Su movimiento lento está lleno de canto, formando así un marcado contraste. Sus características de canto sentaron las bases de la escuela italiana. A. Vivaldi es una figura representativa de la escuela italiana de conciertos para violín. Fue el primero en utilizar una orquesta para acompañar el violín. Esta iniciativa suya dio al concierto un carácter sinfónico y añadió dramatismo. G. Tartini fue el violinista más famoso de Europa en el siglo XVIII y representante de la escuela italiana. Escribió 50 variaciones basadas en los temas de las obras de Corelli, que desarrollaron enormemente el arte del arco del violín. Estableció la forma de una temprana sonata para violín que constaba de tres movimientos. Su obra maestra "El trino del diablo" es la cima del arte interpretativo del violín en el siglo XVIII.
A mediados del siglo XVIII, el arco del violín no era tan curvo como lo es ahora, sino arqueado hacia afuera, lo que era adecuado para tocar las obras de los compositores del período barroco, y más adecuado para tocar la Obras polifónicas para violín de J.S. En la época de J. Haydn y W.A. Mozart, las líneas melódicas de las obras musicales tenían mayores altibajos, y el volumen requería acentos más potentes. Las habilidades para tocar el violín también cambiaron en consecuencia, lo que dio como resultado la creación del violín moderno del francés Tourt en 1785. bows ha evolucionado y mejorado en el manejo del arco. G.B. Viotti, conocido como el padre de la interpretación del violín moderno, es una figura representativa que encarna el nivel de desarrollo del arte del violín durante la transición del período barroco al período clásico. Combinó las frases de canto y las frases técnicas del violín y aprovechó al máximo el rango de la cuerda Mi. El "Concierto para violín n.º 22" de Viotti (en la menor, 1797) todavía es apreciado por muchos compositores. Paganini fue un pionero del nuevo romanticismo que surgió durante el declive de la escuela italiana. Sus "24 Caprichos" siempre han sido un modelo de habilidad para tocar el violín. Las nuevas técnicas melódicas, las modulaciones audaces, las ricas progresiones cromáticas, las combinaciones armónicas nítidas, los patrones rítmicos distintivos y los múltiples cambios de velocidad que utilizó tuvieron una gran influencia en los futuros compositores románticos. Sus Caprichos son conocidos como "la enciclopedia de las técnicas del violín". Paganini utilizó muchas técnicas en su interpretación, como sobretonos dobles, arcos continuos, arcos arrojadizos, afinaciones especiales, técnicas de punteo con la mano izquierda, notas dobles y acordes complejos, y saltos de largas distancias entre los dedos de la mano izquierda en el diapasón, etc. Son todos secretos que los violinistas de su generación hicieron todo lo posible por explorar.
Escuela Alemana de Violín Antes de 1650, el arte alemán de tocar el violín seguía básicamente el camino de los italianos.
Alrededor de 1700, los compositores alemanes escribieron obras para violín que utilizaban técnicas más difíciles que las italianas, especialmente en el uso de acordes, métodos especiales de afinación y ciertos efectos descriptivos al tocar. El violín se ha convertido en un instrumento altamente técnico. Las seis sonatas y suites para violín sin acompañamiento de J.S. Bach imponen exigencias extremadamente estrictas a los intérpretes. El "Tutorial de violín" escrito por L. Mozart (el padre de W.A. Mozart) en 1756 es un resumen del desarrollo del violín alemán. En 1831, el famoso violinista alemán Spohr completó su "Tutorial de violín". F. David (1810~1873) era el director del departamento de violín cuando se inauguró el Conservatorio de Música de Leipzig en 1843. Era un profesor que sabía inspirar y motivar a los estudiantes a progresar. Con sus esfuerzos, el Conservatorio de Música de Leipzig. se convirtió en un centro de aprendizaje de violín de mediados del siglo XIX. David ha editado muchas obras clásicas y ha contribuido a un rico repertorio. El logro histórico del famoso intérprete J. Joachim radica en utilizar sus extraordinarias habilidades interpretativas para reproducir fielmente la connotación musical de la obra. Las seis sonatas y suites no acompañadas de Bach son reconocidas por los violinistas modernos como el pináculo de la música polifónica para violín debido a su interpretación. Otro logro histórico suyo es formar un gran número de estudiantes destacados, entre los cuales L. Orr, un destacado educador de violín de principios del siglo XX, fue uno de ellos. Vale la pena mencionar que el último alumno de Joachim, A. Weidenberg, huyó a China cuando la Alemania nazi persiguió a los judíos, vivió en Shanghai y enseñó violín y música de cámara en la Escuela Nacional de Música de Shanghai.
La escuela de violín franco-belga Viotti llegó a Francia por primera vez en 1782. Bajo su formación e influencia, los franceses P. Bayeux, P. Rod y R. Krutzer** *Juntos fundaron el violín francés. escuela. En 1795, se creó el Conservatorio de Música de París. Se convirtió en una institución a la que aspiraban los jóvenes violinistas. En la actualidad, casi toda la enseñanza del violín en todo el mundo utiliza J.-F. Los estudios de Gavigne y otros violinistas para formar estudiantes, entre los que se reconoce como un trabajo excelente, los "Cuarenta y dos estudios" de Krutzer. Después de mediados del siglo XIX, la escuela francesa de violín tuvo una gran influencia en el arte mundial de tocar el violín. H. Wieniawski, P. de Sarasat y F. Kreisler son representantes de esta escuela de pensamiento. El violinista polaco Wieniawski se graduó en el Conservatorio de París. Heredó el estilo de juego de la escuela francesa y le añadió un toque romántico. La escuela de violín francesa enfatizó la magnificencia del sonido e involucró muchos movimientos del arco de muñeca, lo que le dificultaba tocar el arco continuo. Más tarde, finalmente descubrió que podía dominar con éxito este método de arco continuo utilizando los movimientos de todo el arco. brazo. Wieniawski trajo sus habilidades interpretativas a Rusia en 1862, sentando las bases para el amplio desarrollo de la escuela de interpretación rusa que surgió más tarde. Sarasate, nacido en España, es uno de los intérpretes destacados formados por el Conservatorio de Música de Francia. Su forma de tocar es famosa por su tono dulce y puro. El vibrato que utiliza es más amplio, su tono es excelente, especialmente en el registro alto, y su técnica es brillante y suave. La "Canción gitana" y la "Carmen Fantasía" que escribió son muy creativas y técnicamente difíciles. El austriaco Kreisler se graduó en el Conservatorio de Música de París en 1887. Tiene un estilo de interpretación libre y sencillo, sin mostrar nunca sus habilidades, inclinaciones elegantes, manejo inteligente de las frases y lleno de vitalidad rítmica. Kreisler heredó y desarrolló las habilidades de vibrato de Wieniawski, permitiéndole lograr cambios tímbricos sin precedentes. Sus técnicas de arco y digitación son únicas.
La escuela franco-belga se llama escuela franco-belga en la historia de la interpretación del violín porque las dos escuelas no estaban muy separadas en el tiempo de formación y ambas estaban influenciadas por Viotti. El profesor de C.-A. de Berio, fundador de la escuela de violín belga, fue alumno de Viotti, y Berio también estudió en el Conservatorio de París. Combinó la brillante técnica de Paganini con la elegancia francesa, modernizando así la escuela clásica de interpretación francesa. Berio no fue un discípulo directo de la escuela francesa. Pudo romper con la tradición y crear una nueva escuela romántica franco-belga. El alumno de Berio, H. Vietan, tuvo una gran influencia en la escuela belga. Su gran contribución a la historia de la interpretación del violín fue la promoción del papel del violín como solista en la sinfonía. Su "Cuarto Concierto para violín" (en re menor, alrededor de 1850) es una obra creativa que H. Berlioz llamó una magnífica sinfonía con una parte de violín solista.
E. Ysaye es alumno de Vietnam. Su interpretación es apasionada y enérgica, majestuosa y elegante, llena de poesía y utiliza un vibrato más intenso. La escuela franco-belga está llena de talentos y tiene una gran influencia. Además de los representantes antes mencionados, también están J. Thibault e Y. Menuhin, que siguen activos en la escena musical mundial.
Escuela de violín rusa y soviética Los casi 50 años de enseñanza de L. Orr en el Conservatorio de San Petersburgo lo convirtieron en un famoso profesor de violín a principios del siglo XX. Los mejores violinistas del mundo, como J. Heifetz, M. Ellman, N. Milstein y E. Zimbalist, vinieron todos de sus discípulos. Orr aprovecha al máximo las capacidades potenciales de los estudiantes en función de sus circunstancias específicas. Su libro "Mi método de enseñanza para tocar el violín" detalla sus ideas de enseñanza y puntos de vista estéticos, como la música en primer lugar, la tecnología en segundo lugar, diferentes épocas tienen música diferente, etc. Orr jugó un papel importante en la formación de la escuela rusa de violín. Sin embargo, mucho antes de Orr, Viertan y Wieniawski ya llevaban mucho tiempo enseñando y actuando en Rusia. Se puede decir que la escuela rusa se formó natural e históricamente sobre la base de la escuela franco-belga, más que sobre la creación de una escuela. cierta persona Y construye un árbol. Heifetz era estudiante en el Conservatorio de San Petersburgo. Tenía emociones ardientes, un control férreo, habilidades asombrosas y una personalidad fuerte. Su uso de vibrato rápido, portamento expresivo, arcos fuertes, procesamiento musical relativamente rápido, etc., son expresiones naturales de su fuerte personalidad musical. Después de la fundación de la Unión Socialista Soviética y la Unión Soviética, П.С Stolyarsky de la Academia de Música de Odessa y А.И del Conservatorio de Música de Moscú
Key y К.Г. Heredó y desarrolló la carrera de Orr y formó la escuela de violín soviética. Stolyarsky fundó la primera escuela de música de la Unión Soviética para niños superdotados en 1933 y se convirtió en uno de los fundadores de la escuela soviética. Abogó por la formación técnica y artística integral de los niños desde la infancia. Su alumno Д.□. "El problema del tono del violín", "El entrenamiento rítmico de los violinistas" y "El problema dinámico en la interpretación del violín" escritos por Mostras son todos valiosos. Su alumno I. Galamian se convirtió en un maestro famoso en los Estados Unidos. Poliski heredó y desarrolló los principios de enseñanza de Orr, centrándose en cultivar el sentimiento musical y el desarrollo general de los estudiantes. Sonido extremadamente puro, entonación precisa, técnica soberbia, estilo noble y tratamiento minucioso y profundo de la música son las características de este sistema de enseñanza. Su sobrino И.□ Yampoliski es el autor de "Introducción a la digitación del violín". Otro alumno de Yanpoliski
□.И. Yankelevich heredó y desarrolló los principios de enseñanza del maestro y fue bueno en hacer un análisis exhaustivo de los talentos de los estudiantes, desarrollando así las habilidades de juego y la personalidad del estudiante. Lin Yueji, el famoso profesor de violín de China y profesor asociado en el Conservatorio Central de Música, fue alumno de Hu Kun, alumno de Lin Yueji, que una vez ganó el Concurso Internacional de Violín Sibelius. También cabe mencionar al famoso violinista estadounidense I. Stern. Tiene una profunda conexión con la escuela rusa y fue influenciado por la escuela franco-belga. Es bueno para atraer multitudes y crear su propio estilo, y se ha convertido en un intérprete de primer nivel en la era contemporánea. Ha visitado China dos veces para actuar y dar conferencias, y ha enseñado a muchos jóvenes violinistas en China.