El desarrollo y características de la ópera italiana temprana Ópera florentina:
1. La primera ópera: "Daphne" se representó en 1597 con libreto escrito por Linuccini y música compuesta por Perry. (Dafne). Dado que sólo quedan fragmentos de la partitura de esta obra, la gente suele referirse a la versión completa de "Euridice" que se representó en 1600, con libreto de Linuccini y música de Perry y Caccini) como la ópera más antigua.
2. Características de la ópera temprana: El guión se basó en la mitología griega, y posteriormente se añadieron temas históricos.
La parte musical adopta la forma de bajo continuo, y la parte de canto es principalmente en forma de canto recitativo, con un rango pequeño y ritmo libre. Hay una pequeña cantidad de acompañamiento de instrumentos musicales y coro. también se utiliza.
Ópera romana:
1. Figuras y obras representativas: Creada por el compositor romano E. Cavalieri (hacia 1550-1602) "La rappresentazione di Anima, edi Corpo" (La encarnación del alma y la carne) se representó en febrero de 1600 y sentó las bases de la ópera romana.
"La encarnación del espíritu y la carne" es considerada por los historiadores como un oratorio, con el prototipo de una ópera, y su contenido involucra aspectos religiosos y morales.
2. Características: Centrándose en el placer que brindan las espectaculares escenas de ópera, agregando un magnífico diseño de escenario, escenarios mecánicos y escenas de ballet, cada acto termina con coro y baile.
Ópera de Venecia:
1. El establecimiento del primer teatro de ópera: El primer teatro de ópera establecido en Venecia en 1637 - San Cassiano, fue el origen de la ópera desde el salón aristocrático y la corte a la burguesía.
2. Figuras y obras representativas: En 1607, el escritor de ópera veneciano Monteverdi completó la ópera "Orfeo". El tema de la ópera es similar al de "Euridice" de Linuccini.
En la obra, Monteverdi se basa en su rica experiencia en la creación de música pastoral y religiosa, combinada con diversos medios del tesoro musical del siglo XVI, para hacer de "Orfeo" una obra maestra en la historia de la ópera. La primera ópera verdadera.
3. Características: En las óperas se utiliza una gran cantidad de arias y dúos, centrándose en la expresión emocional, prestando atención al canto del bel canto, rara vez utilizando formas de coro, y la familia de instrumentos de cuerda juega un papel importante para La primera vez, fortaleciendo así el rendimiento de la fuerza musical.
Ópera de Nápoles:
1. Evolución hacia la ópera seria: Nápoles es la última ciudad de Italia donde se desarrolló la ópera. Comenzó a finales del siglo XVII y se estableció. como ópera seria (Opera seria) en el siglo XVIII), la influencia de esta ópera se extendió hasta el siglo XIX.
A menudo utiliza como temas historias ficticias o hechos heroicos, y debido a la búsqueda del bel canto, esos cantantes "castrati" que tienen tanto la fuerte capacidad pulmonar de los hombres como la voz suave y brillante de las mujeres. se han vuelto populares.
2. Figuras y obras representativas: A. Scarlati (1660-1725), representante de la escuela musical napolitana, creó arias (aria) de libre desarrollo basadas en el tono lírico de la música vocal, dando a Bel Canto Canto es un mundo vasto.
Representada como "Teodora".
3. Características (también las características de la ópera formal):
1) En términos de contenido: basado principalmente en mitos antiguos y leyendas históricas, el contenido es serio, a diferencia de comedia.
2) En términos de forma estructural: la ópera original en cinco actos se ha transformado en una estructura compacta de tres actos, con interludios cómicos (Intremezzo, interpretado en la entrada del escenario) a menudo intercalados entre actos.
Se abre con una obertura muy personal (tres tramos de rápido-lento-rápido), con aria recitativa y de retorno alternada, con pocos dúos y estribillos, y nada de baile.
3) Dos recitativos diferentes: uno es un recitativo seco, utilizado para diálogos o monólogos más largos, con solo acompañamiento de continuo para la parte solista. El otro es un recitativo de acompañamiento. Es bueno para expresar emociones complejas. y también se utiliza en escenas dramáticas y tensas. El solo está acompañado por una orquesta.
4) Volver al aria inicial: esta aria tiene la forma de tres secciones ABA. Los compositores generalmente ya no escriben la sección A reproducida, sino que solo marcan da capo al final de la sección B. significa Repetir desde el principio, pretendiendo significar "volver al principio", y marque Bien (es decir, el final) al final.
[Editar este párrafo] El desarrollo de la ópera A finales del siglo XVII, la escuela de ópera napolitana representada por Asia Scarlatti tuvo la mayor influencia en Roma.
Esta escuela de música no utilizó escenas de coro ni ballet en la obra, pero desarrolló mucho la técnica de canto solista conocida como "Bel Canto" en generaciones posteriores.
Cuando este enfoque de "cantar-trabajar primero" llega a los extremos, la expresión dramática original y la connotación ideológica de la ópera casi se pierden.
Como resultado, en la década de 1820 surgió el género de óperas cómicas basadas en la vida cotidiana, con tramas humorísticas y música sencilla.
El primer ejemplo de ópera cómica italiana es "El ama de casa" de Pagolesi (estrenada en 1733), que originalmente era un interludio de una ópera seria, 1752 Cuando se representó en París en 2001, fue difamada por conservadores, desencadenando así la famosa "Controversia de la ópera cómica" en la historia de la ópera.
La primera ópera cómica de Francia, "El adivino", escrita por Rousseau, nació bajo la inspiración de este debate y de esta ópera.
La ópera italiana fue la primera en transformarse en Francia y combinarse con la cultura nacional francesa.
Lully fue el fundador de la ópera francesa ("tragedia lírica"). Además de crear melodías solistas estrechamente integradas con el francés, también fue pionero en el uso de escenas de ballet en la ópera.
En Gran Bretaña, Purcell creó la primera ópera nacional británica "Didón y Eneas" basada en la tradición de mascaradas de su país.
En Alemania y Austria, Haydn, Dietersdorf, Mozart y otros desarrollaron los dramas cantados folclóricamente hasta convertirlos en óperas nacionales alemanas y austriacas. Entre sus obras representativas se incluyen "La flauta mágica" de Mozart, etc.
En el siglo XVIII, Gluck, apuntando a la mediocridad y superficialidad de la ópera de Nápoles en ese momento, insistió en que la ópera debe tener un contenido profundo, la música y el drama deben estar unificados y la interpretación debe ser simple y natural. .
Sus ideas y obras como "Orfeo y Eurídice" e "Ifigenes en Oleida" tuvieron una gran influencia en el desarrollo de la ópera en las generaciones posteriores.
Después del siglo XIX, los italianos G. Rossini, G. Verdi, G. Puccini, el alemán R. Wagner, el francés G. Bizet, el ruso M.I Glinka, maestros de la ópera como M.P. Mussorgsky y P.N. importantes contribuciones al desarrollo de la ópera.
La "opereta" (opereta, que significa: pequeña ópera), que se formó en el siglo XVIII, ha evolucionado y se ha convertido en un género independiente.
Sus características son: estructura corta, música popular, además de solista, dúo, coro y baile, también utiliza el lenguaje hablado.
El compositor austriaco Sobey y el compositor francés Offen Bach, originario de Alemania, son los fundadores de este género.
Entre los compositores de ópera del siglo XX, la primera figura representativa fue Richard Strauss ("Salomé", "Den Rosenkavalier") quien fue influenciado por Wagner después de la Primera Guerra Mundial, Berg ("Wozzeck"); quienes aplicaron el principio de atonalidad en la creación de ópera; desde los años 40, se encuentran: Stravinsky, Prokofiev, Milhaud, Manotti, Barbier, Orff, Janastella, Henze, More y el famoso compositor británico Britten, etc.
[Editar este párrafo] Canto de ópera Clasificación de las voces
Los roles que desempeñan los cantantes se clasifican según sus diferentes rangos (tessitura), agilidad, potencia y timbre (timbre).
Los cantantes masculinos se dividen de rangos vocales bajos a altos: bajo, barítono, barítono, tenor y falsete tenor (sopranista/contratenor).
Las cantantes femeninas se dividen de rango bajo a alto: contralto, mezzosoprano y soprano.
Las sopranos también se pueden subdividir en diferentes categorías como las sopranos coloratura y las sopranos líricas.
Básicamente, el rango de las voces masculinas es más bajo que el de todas las voces femeninas, pero algunos tenores en falsete pueden cantar en el rango de los altos.
El canto en falsete de tenor es más común en roles cantados por castrati en composiciones antiguas.
Después de clasificar por rango vocal, se suelen añadir algunos adjetivos sobre el canto, como soprano lírica, soprano dramática, soprano solemne (soprano spinto), coloratura soprano (soprano coloratura), soprano ligera.
Aunque estos términos no pueden describir completamente una voz, a menudo pueden clasificar diferentes voces y asignarles diferentes roles.
Las voces de algunos cantantes sufrirán repentinamente cambios drásticos, o es posible que sus voces no alcancen su estado maduro y glorioso hasta que tengan treinta o incluso mediana edad.
Utilización de la clasificación de voces
La soprano siempre ha sido la mejor opción para la heroína de la mayoría de las óperas.
Sin embargo, antes del período de la música clásica, el requisito principal para las sopranos era la tecnología de control de voz, en lugar del amplio rango requerido hoy en día y en ese momento, la nota más alta requerida de las sopranos a menudo no excedía la A alta; . [veintiuno].
El término mezzosoprano es un concepto relativamente reciente, pero también hay muchos papeles que puede desempeñar, como el de Dido de Purcell y el de "Tristán e Isolda" de Wagner Brangäne en "Alemania"[22].
A menudo hay menos papeles que los altos pueden cantar. Los expertos suelen bromear diciendo que los altos sólo pueden cantar "brujas, perras y pantalones".
En los últimos años, muchos papeles originalmente cantados por altos o castrati han pasado a ser obra de tenores en falsete.
El tenor ha sido el actor principal de óperas desde la época de la música clásica hasta la actualidad.
Muchos de los papeles de tenor más desafiantes provienen del período de la ópera del bel canto. Por ejemplo, Donizetti escribió 9 papeles de tenor consecutivos para el protagonista masculino en "La fille du régiment".
Wagner exigía que sus tenores protagonistas fueran más pesados que los tenores comunes, e incluso pidió a la gente que inventara una nueva palabra "Heldentenor" para describir este tipo de papel y Wagner también hay papeles de ópera italiana que exigen un peso considerable; , como Calafone en "Turandot" de Puccini.
El bajo también tiene una larga historia. En la época de la ópera, se utilizaba como papel secundario, a menudo como personaje cómico para entretener al público.
También hay muchos papeles que los bajos pueden desempeñar, como Liporello en "Don Giovanni" de Mozart y Wotan en "El anillo del Nibelung" de Wagner.
Situado a medio camino entre el tenor y el bajo, se encuentra el barítono, un concepto que no apareció hasta mediados del siglo XIX. Entre sus papeles famosos se encuentran Guglielmo en "Todas las mujeres" de Mozart y "Don... Rodigo en". Carlos.
[Editar este párrafo] La parte vocal en una ópera vocal incluye solo, dúo y coro. Las letras son las líneas de los personajes de la obra (dependiendo del estilo, también pueden ser habladas); la parte instrumental suele estar al comienzo de la obra. A veces hay una obertura o un preludio, y las primeras óperas a veces tienen un prólogo de dedicación (incluida la música vocal).
En cada escena, la música instrumental no sólo sirve de acompañamiento al canto, sino que también juega un papel conector.
Se suelen utilizar interludios para conectar actos, o cada acto tiene su propio preludio.
La danza también se puede insertar en la progresión dramática.
La estructura musical de una ópera puede estar compuesta por piezas musicales relativamente independientes conectadas, o puede ser una estructura unificada que se desarrolla continuamente.
Los estilos vocales importantes en la ópera incluyen recitativo, aria, aria, recitativo, dúo, coro, etc.; sus estilos de género incluyen ópera seria, ópera cómica, gran ópera, zarzuela, opereta, comedia musical, cámara. ópera, drama con banda sonora, etc.
Aria
Aria es el aria principal para que los protagonistas expresen sus sentimientos en las óperas. Su música es hermosa, la estructura es completa y pueden expresar las habilidades vocales del cantante, por lo que. A menudo también los escuchamos en concierto, como el aria "On a Clear Day" de Madama Butterfly, el aria "¿Por qué late tanto mi corazón" de La Traviata y el aria "Hay una voz en mi corazón" de Rosina? , entre otros .
Recitativo
Recitativo es un párrafo que desarrolla la trama. La historia a menudo transcurre en el recitativo. En este momento, los personajes tienen más diálogos. Este tipo de párrafo no es adecuado para. El sexo era demasiado fuerte, así que utilicé un método mitad hablado y mitad cantado llamado recitativo, que es muy similar a la rima de la Ópera de Pekín.
En la Ópera de Pekín, Qingyi, Xiaosheng o Laosheng tienen un tipo de narración con un tono de pronunciación exagerado, aunque no es muy melódico, puede hacer que la narración sea fácil de conectar con el canto antes y después. La función es similar a la de la ópera occidental. El recitativo que contiene es muy similar.
Los recitativos de las primeras óperas europeas eran muy poco cantados y se llamaban "recitativos secos". A menudo usaban un clavecín para tocar una *** en una clave, y el cantante lo usaba en esta clave. Hay muchas narraciones con homófonos repetidos. Esta repetición de homófonos es muy difícil de escuchar cuando se traduce al chino, porque el idioma chino tiene cuatro tonos y los chinos no podemos cantar en un tono plano: ¿Has comido hoy? Seguro que suena gracioso.
Entonces, cuando encontramos este "recitado seco", simplemente eliminamos el rap y lo reemplazamos con diálogo.
Pero ya en el siglo XIX, con la paulatina melodización de los recitativos de ópera, por ejemplo, cuando cantábamos óperas como "La Traviata" y "Carmen", los recitativos también se traducían al chino, con un. pequeña melodía, puedes seguir el tono de la melodía para encontrar cuatro tonos chinos adecuados.
Canto a dúo
El canto a dúo es cuando varios personajes diferentes cantan al mismo tiempo según sus emociones específicas y tramas dramáticas. Cuando dos personas cantan al mismo tiempo, se llama canto a dúo. A veces sostienen opiniones a favor y en contra del papel, organizadas en una obra; puede ser un trío, un cuarteto o un quinteto. Hay un sexteto en "El barbero de Sevinia" de Mozart. ." En un septeto cantan juntas más de una docena de personas, a veces en grupos de tres o cinco personas, cada una con sus propias opiniones. Algunos simpatizan con Fígaro, otros simpatizan con el conde y otros se ríen del chiste. El destacado compositor habilidad es Se manifiesta en la capacidad de organizar tantas imágenes dramáticas y musicales diferentes en un pasaje musical con un sonido y expresividad armoniosos, que es muy diferente de nuestra ópera.
Otra forma es el coro en escenas masivas como se mencionó anteriormente, puede ser masculino, femenino, mixto o infantil según los requerimientos de la trama.
La ópera tiene un argumento y el canto tiene letra. Sus letras son inseparables del desarrollo de la música y el teatro.
Por tanto, a la hora de introducir óperas occidentales en China, ¿es mejor utilizar la traducción o cantar el texto original para mantener su "sabor original"? Siempre ha habido dos opiniones con sus propios méritos.
Después de la fundación de la República Popular China, los trabajadores de la ópera chinos hicieron grandes esfuerzos en la traducción al introducir las óperas occidentales. Aquí hay una cuestión importante, es decir, el lenguaje literario no sólo debe traducirse bien. , pero también se utiliza en el emparejamiento. Cuando se trata de música, debe ajustarse a las reglas de la música para que el público se sienta cómodo y aceptado. Esto es una ciencia y un trabajo muy arduo que requiere un traductor o traductor con alto nivel. logros musicales. La colaboración con músicos es la única manera de hacerlo bien.
Mi punto de vista personal es: dado que el público viene al teatro a ver una obra, la gente debe entenderla.
Al introducir óperas occidentales en China, es mejor traducirlas al chino, para que la gente pueda comprender más fácilmente el dramatismo de la trama y la música de la ópera en cualquier momento, y disfrutar de actuaciones que son a la vez cantadas y Actuar al menos puede hacernos chinos. El público siente que nuestros músicos realmente quieren que comprendan el encanto de la ópera occidental.
En los últimos años, la moda social es cantar en el texto original con subtítulos en chino. Aunque puede mostrar el nivel de nuestros actores cantando el texto original, también puede ser favorecido por agentes extranjeros e invitados a hacerlo. Oportunidades de actuar en el extranjero, pero hasta donde yo sé, para el público, la aceptación de las óperas occidentales está más lejos y el público es más reducido. La gente pensará que lo olvidamos de todos modos. El nivel del idioma original de algunos actores no es alto y nadie puede entenderlo. Esto no favorece la difusión de las óperas occidentales en China.
Una forma de drama.
Consta de texto dramático (letra) con música, y suele cantarse con acompañamiento musical.
Además de solistas, dúos, coros y miembros de orquesta, desde sus inicios, las representaciones de ópera a menudo incluían bailarines.
Esta forma compleja y costosa de entretenimiento musical y teatral ha sido amada por el público durante cinco siglos.
La diferencia obvia entre este y otras formas dramáticas es que las líneas se cantan en lugar de expresarse con palabras; la diferencia con los dramas de estilo drama musical, como las operetas y las comedias musicales, radica en la solemnidad y la estructura; de sus obras. El rigor y la seriedad del sonido que las acompaña.
En la antigüedad existían obras que combinaban poesía, teatro y música.
Los dramaturgos griegos antiguos Esquilo, Sófocles y Eurípides ya utilizaban coros en sus obras.
Los dramas religiosos medievales basados en la Biblia, como las obras de milagros y obras de milagros, generalmente tenían algún tipo de acompañamiento musical.
Estas y otras formas de teatro musical pueden considerarse las precursoras de la ópera.
La ópera se originó en Florencia, Italia, a finales del siglo XVI.
La primera ópera fue "Dafne" coescrita por el poeta pastoral renacentista Ottavio Rinuccini y el compositor Jacopo Peri, que ahora se ha perdido; el libreto de ópera más antiguo que se conserva, Euridice, también es obra de ellos.
Sin embargo, las obras de estos dos padres de la ópera fueron exploratorias tanto en género como en estructura.
Unos 10 años después, salió la obra maestra de la ópera de Claudio Monteverdi "La favola d'Orfeo".
Entre ellos, el acompañamiento instrumental se convirtió en un factor dramático; los temas de las óperas de aquella época eran mayoritariamente mitos, leyendas e historias históricas de ficción griegas y romanas.
Ópera
El primer teatro de ópera del mundo, el Teatro di San Cassiano, se inauguró en Venecia en 1637 y se abrió al público general, poniendo así fin a una época en la que la ópera estaba monopolizada. por la familia real y los aristócratas, y promovió en gran medida el desarrollo de la ópera.
Francesco Cavalli, alumno de Monteverdi, fue el compositor de ópera más famoso de esta época. Compuso alrededor de 40 óperas para la Ópera de Venecia entre 1639 y 1669. Óperas, la más famosa de las cuales es "Giasone". ".
Pietro Antonio Cesti, escritor de ópera italiano de la misma época que Cavari, también escribió muchas óperas, la más famosa de las cuales es "Il pomo d'oro" (La manzana de oro).
A partir de mediados del siglo XVII, el género de la ópera veneciana comenzó a decaer, aunque todavía aparecían en esta época varios compositores talentosos, como Baldassare Galuppi, a quien a menudo se le llama el "padre de la ópera cómica".
Otras ciudades italianas, como Roma, pronto desarrollaron sus propios estilos locales de ópera.
La ópera romana se diferencia de la ópera veneciana: no pone mucho énfasis en la grandeza del escenario, pero le gusta utilizar interludios interesantes para reducir la atmósfera trágica de toda la obra, centrándose en las oberturas instrumentales y la obertura. -Movimientos intermedios estilo.
Roma también cuenta con muchos escritores de ópera famosos, como Virgilio Mazzocchi y Marazzo, quienes crearon la primera ópera cómica completa "Chi soffe speri" Lee (Marco Marrazzoli).
En el siglo XVIII, el centro de la ópera italiana se trasladó a Nápoles, y varios géneros de ópera surgieron uno tras otro, influyendo así en los centros de actividad de la ópera italiana y en muchos extranjeros.
El objetivo es hacer que la música obedezca a la letra y que la gente la entienda.
Los letristas Apostolo Zeno y Pietro Metastasio contribuyeron a esto.
Dominan las arias de ópera, especialmente las arias tripartitas.
La ópera napolitana tiene armonías simples, es más melódica y aireada, y tiene los tonos majestuosos del estilo rococó.
Los escritores representativos incluyen a Alessandro Scarlatti, Nicola Antonio Porpora, Leonardo Vinci y Leonardo Leo.
En 1720, el veneciano Benedetto Marcello escribió "Il teatro alla moda,o sia metodo sicuro e facile per ben" porre ed eseguire opere italiane in musica), que satirizaba los crecientes estereotipos en la ópera que diluían el drama, lo que llevó a experimentos de reforma de la ópera, pero con poco éxito.
En el siglo XVII se desarrolló la ópera cómica satírica con una forma independiente.
Al principio, a menudo se intercalaba entre los actos de la ópera principal.
En su proceso de maduración, ha restaurado algunas de las características emocionales y serias de la ópera formal, dando así a muchas óperas cómicas un carácter mixto.
"El barbero de Serbia", "Las bodas de Fígaro" y "El matrimonio secreto" (Il matrimonio segreto) son obras representativas de este período.
La ópera se introdujo en Francia antes de 1650. La primera ópera francesa, Pomone, se estrenó en 1671 en la ceremonia de inauguración de la Real Academia de Música (ahora Ópera de París).
Pero la ópera no se convirtió en un arte verdaderamente francés hasta la época de Jean-Baptiste Lully.
La italiana Lully fue a París y tomó prestadas las características del teatro y el ballet franceses para crear una ópera al estilo francés.
No le gustaban las arias italianas y abogó por el uso de canciones breves y animadas.
Reformó el recitativo según el método de recitación de la Comédie Française y desarrolló la obertura al estilo francés.
El estilo de Lully alcanzó su apogeo en las óperas de Jean-phlippe Rameau, y entre sus principales obras se incluyen "Hippolyte et Aricie" (Hippolyte et Aricie).
Después de la introducción de la ópera en Alemania y Austria en 1627, surgió la "ópera popular" y surgieron varios escritores de ópera, como Mozart, Handel, Beethoven, etc. Las obras principales incluyen "La flauta mágica". ", "La Flauta Mágica" y "La Flauta Mágica". Orlando", "Las Bodas de Fígaro", "Don Juan", "Fidelio" (Fidelio), "Il mondo della luna" (Il mondo della luna), etc. .
En 1769, Ranieri de'Calzabigi y Gluck publicaron un importante documento sobre la innovación operística: el prefacio a la ópera "Alceste".
Creía que las arias redundantes y elegantes de tres partes deberían ser abolidas y reemplazadas por expresiones simples y sentimientos verdaderos.
El deber de la música es "servir a la poesía".
Las obras representativas de Gluck incluyen "Iphigenie en Aulide" (Iphigenie en Aulide) e "Iphigenie en Tauride" (Iphigenie en Tauride).
Sus ideas reformistas tuvieron un impacto significativo.
Después de que la ópera se introdujo en Gran Bretaña, tardó mucho tiempo en echar raíces en Gran Bretaña.
La primera ópera británica fue Dido y Eneas de Henry Purcell; rompió los límites entre el recitativo y el canto.
La representación de "The Beggar's Opera" finalmente acostumbró al público británico a escuchar una obra de teatro cantada en su propio idioma.
Desde finales del siglo XVIII hasta principios del XIX, la ópera cómica francesa tuvo un gran desarrollo.
En 1752 se representó la ópera cómica en un acto de Rousseau "Guerre des Bouffons". Escribió la partitura en forma de popurrí, combinando representaciones de amor romántico y vodevil muy populares. Las melodías están compuestas en un estilo muy francés.
Desde entonces, este nuevo popurrí de óperas cómicas ha dominado el escenario de la ópera en París y otras regiones.
Dramaturgos famosos incluyen a Pierre-Alexandre Monsigny, André Gretry, Etienne-Nicolas Mehul y Francois-Adrien Boieldieu.
La ópera cómica francesa se ha vuelto más italiana desde Boisierdieu, reflejando la influencia de Rossini.
Durante este período, la ópera italiana estaba en declive, con artistas talentosos como Johann Simon Mayr, Rossini, Gaetano Donizetti y Vincenzo Bellini. El compositor de ópera ha creado varias obras de ópera de fama mundial, como " El barbero de Serbia”, “Anna Bolena”, “Il pirata”, “I puritani”, etc. Ser amado de nuevo.
La "Gran Ópera" se originó en París en el siglo XIX. Es una ópera a gran escala con un estilo internacional que utiliza historias históricas o ficticias como temas, y el escenario está lleno de paisajes espectaculares. , magníficos trajes, ballet, etc. y varias formaciones de falange sin cita previa.
Prácticamente prescinde de las sutilezas del bel canto y amplía enormemente la propia orquesta y su papel en el drama.
La primera gran ópera reconocida fue "Robert le Diable" de Giao Meyerbeer.
Después de Meyerbeer y Fromental Halevy, la gran ópera comenzó a reflejar nuevas tendencias musicales y se desarrolló hacia una variedad de formas híbridas.
Los escritores de ópera franceses de este período también incluyeron a Berlioz y Offen Bach, cuyas obras principales incluyen "El cielo y el infierno" (Orphee aux enfers), "Los troyanos", "Les Contes d'Hoffmann" de Hoffmann ( Los cuentos de Hoffmann), etc.
Las óperas románticas alemanas incluyen obras como "Der Freischutz" (Der Freischutz), que son las precursoras de la música romántica alemana. Durante este período también surgieron las operetas, como John. La obra maestra de Strauss, "Bat", lo llevó a su apogeo.
Los compositores de ópera famosos posteriores al siglo XIX incluyen: Verdi, Puccini, Busoni, etc. de Italia; Wagner, Richard Strauss y Hans Pfitzner de Alemania y Austria), Schombek, Berg, etc.; , Bizet, Thomas, Jules Masse, Debussy, Ravel.
Después de la introducción de la ópera en Rusia, la mayoría de las obras extranjeras se interpretaron al principio. Más tarde, surgieron varios compositores de ópera destacados como Mikhail Ivanovich Glinka, el padre de la ópera rusa, como Rimsky-. Kosa Kov, Borodin, Modest Mussorgsky, Tchaikovsky, Stravinsky y Prokofiev, etc.
A mediados del siglo XX, la ópera casi se había convertido en un arte de museo, en su mayoría rerepresentaciones de obras antiguas y rara vez obras nuevas.
El futuro de la ópera reside, según lo ven algunos escritores, en obras de teatro similares a la ópera y otras formas operísticas híbridas que sorprenden y sorprenden al público; otros lo ven en óperas escritas para representaciones en fábricas y escuelas; óperas.