En cuanto a la historia del arte occidental, aunque muchos profesores han enfatizado repetidamente su importancia para mejorar la apreciación del arte y consolidar las bases de la estética, desafortunadamente no se enseña en las clases universitarias, por lo que solo puedo ir a la Biblioteca de literatura y arte solo mirando esos exquisitos álbumes de imágenes, me maravillé de las hermosas pinturas de desnudos como "Fuente", la Venus de Milo desenterrada, el magnífico Coliseo, la majestuosa iglesia gótica, etc., todo lo cual dejó una huella duradera. impresión en mí. Profundamente impresionado. Por eso, a menudo admiro "Navegando hacia Bizancio" de Yeats: "No es un país de ancianos. Los jóvenes / se abrazan... He viajado a través del océano para llegar / al castillo sagrado de Bizancio... Por favor, date prisa, recógeme en arreglos artísticos eternos... Canta sobre las ramas doradas / todas las cosas pasadas, presentes y futuras / a los nobles y damas de Bizancio."
1. Buscando la historia de Occidente Arte<. /p>
Nunca he leído sistemáticamente la historia del arte occidental, porque la mayoría de los libros de texto y de lectura en las estanterías eran viejos y feos, y había un olor desagradable a polvo. Pasé algunas páginas. Hay demasiadas teorías y muy pocas ilustraciones, lo que me hace perder el interés. Prefiero seguir mirando las fuertes mujeres desnudas pintadas por Tiziano. Como hombre adulto que acaba de cumplir 18 años, admira a Shaoai pero no está familiarizado con el cuerpo femenino. En lugar de apreciar el arte occidental en este momento, es mejor confesar su curiosa psicología sexual.
Los genios pintores corporales europeos a menudo pintan a las hadas como mujeres lujuriosas que se especializan en comerse los fuegos artificiales del mundo. Por ejemplo, en la "Venus de Urbino" de Tiziano, el cuerpo desnudo maduro de la belleza está reclinado en el sofá. En el rostro, sus ojos están llenos de deseo, expectación, burla, inexpresividad e indiferencia. Parece una dama enamorada de su primavera, pero también una prostituta lujuriosa, como si estuviera esperando la llegada de su amante. cliente. En ese momento, había oído un poco sobre el arte griego antiguo y pensaba que la expresividad y la sensualidad eran las características principales de las pinturas occidentales. Sin embargo, ignoré las dos figuras que Tiziano pintó detrás de Venus, una de las cuales estaba arrodillada como si rezara. , representa ciertos sentimientos religiosos del pintor. La comprensión de esta pintura es completa sólo cuando conectamos el cuerpo seductor con la oración detrás de él.
Unos años más tarde, encontré una versión mejor, la edición de 2000 de "Historia del Arte Occidental" de la editorial Hainan. Estaba llena de imágenes y textos, y casi todas las páginas tenían ilustraciones de obras de. art. Parecía mucho más limpio. El único defecto es que la explicación teórica es demasiado simple y muchas partes parecen poco claras. Afortunadamente, he leído esporádicamente algunos libros sobre apreciación del arte, por lo que apenas puedo aceptarlo.
Este libro fue compilado por cuatro eruditos europeos y originalmente se llamó "La historia del arte", la historia del arte. Este enfoque académico euroamericano me hizo sentir un poco infeliz. Después de todo, el libro sólo contiene arte europeo y americano. Creo que el traductor también se sintió así después de leerlo, así que lo tradujo a "Historia del arte occidental". ".
2. Antes del Renacimiento
¿Dónde se originó el arte occidental? Hay una pintura famosa llamada "El nacimiento de Venus" durante el Renacimiento. Venus, que acaba de nacer de la espuma del océano, se encuentra sobre una concha de almeja. Dos dioses del viento la llevan a la orilla. Frente a ella viene a saludarnos, del cielo llueven rosas y el mar está ligeramente ondulado. Probablemente se trate de una metáfora del nacimiento del arte.
Mitos y leyendas, sacrificios, caza, sexo, fertilidad, cuevas prehistóricas... Siguiendo las huellas del tiempo para recorrer el arte occidental, podrás encontrar que las pinturas originales de las Cuevas de Lascaux en Francia también están repletas de significados abstractos y simbólicos que recuerdan al impresionismo y a ciertos estilos de pintura moderna.
Aunque las zonas costeras del Mediterráneo como Mesopotamia y Egipto han tenido un impacto importante en la formación del arte occidental, es sin duda la gran civilización griega antigua la que realmente jugó un papel decisivo. Además de dejarnos conmovedoras historias mitológicas, los griegos también cuentan con templos estilo pilares como el de Atenea, Zeus, Hera y el Partenón, los cuales se han conservado durante mucho tiempo debido a su amplio uso de la piedra en cuanto a arte corporal; aún más originador. Cuando los chinos escondieron tímidamente sus cuerpos en sus creaciones artísticas, hace mucho tiempo propusieron las proporciones óptimas del cuerpo humano: la altura es de 7 a 8 veces la longitud de la cabeza y crearon una gran cantidad de desnudos perfectos como "El Disco"; Estatua del lanzador.
Incluso en la era helenística, había un jefe extremadamente hermoso de Alejandro Magno. Realmente no esperaba que fuera el comandante militar que una vez atravesó Eurasia. Era tan invencible como el mítico Aquiles, pero era una lástima. murió joven. Las obras de arte del cuerpo humano de la época griega, tanto masculinas como femeninas, alcanzaron una belleza incomparable en términos de forma corporal y temperamento.
El arte del Imperio Romano fue heredado de Grecia, pero la engorrosa armadura del "Emperador Acorazado Augusto" inhibe la vitalidad de la gente, la postura del líder moralista se ha vuelto artificial y la belleza es muy inferior a El desnudo masculino griego. En la Edad Media, ya sea arte bizantino, romano o gótico, además del estilo arquitectónico que se puede apreciar, las pinturas de dioses y figuras parecen muy aburridas. Este es el período de impotencia en Europa y el poeta de la dinastía Tang. Li Bai en el mismo período "Mira al cielo y ríe y sal, ¿cómo podemos ser de Penghao?", cantó la voz más fuerte del arte de la próspera dinastía Tang.
3. Después del Renacimiento
No fue hasta el Renacimiento cuando la difusión del pensamiento humanista revivió el arte occidental. Genios como Leonardo da Vinci, Tiziano, Botticelli y Miguel Ángel recuperaron el espíritu griego y elevaron el arte occidental a un nuevo nivel. No hace falta decir más sobre la Mona Lisa. La escultura "David" de Miguel Ángel es también una obra maestra poco común en la historia del arte mundial: David, el héroe de la Biblia, se encuentra de pie con confianza, mostrando a la gente su figura musculosa, sosteniendo una piedra en su mano izquierda y con la cabeza inclinada. Girado hacia la izquierda, el rostro es hermoso, los ojos brillantes y la postura heroica. El poderoso poder acumulado en el cuerpo parece estar listo para explotar en cualquier momento, lo que representa el gran espíritu del humanismo. Una copia de la estatua todavía se encuentra en la Piazza della Signoria en Florencia, Italia, y el original se conserva cuidadosamente en un museo. Es una pena que en el libro sólo se seleccione la estatua de "David" de Donatello. Aunque no está mal, es un nivel peor que la de Michaelis.
A medida que avanzaba el Renacimiento, se produjeron términos como "barroco" y "rococó". El primero originalmente se refería a las perlas orientales de forma irregular, pero luego su significado se amplió para indicar la singularidad, individualidad y arbitrariedad de pensamientos y expresiones. En la creación artística, se manifiesta como el énfasis en la sensualidad, la festividad, la ostentación y la pasión. Este último originalmente se refería a la imitación de cuevas, conchas y estalactitas. Posteriormente se introdujo en la decoración de interiores, se integró cada vez más en la vida cotidiana y se volvió cada vez más secular. Lo que me impresionó profundamente del arte occidental de este período fueron los edificios religiosos como la Plaza de San Pedro en Roma, los salones de los aristócratas parisinos y los palacios lujosamente decorados, así como los autorretratos de Rembrandt.
Rembrandt tenía como hobby pintar y *** pintó casi un centenar de ellos. Lo que vi fueron tres autorretratos en su juventud, mediana edad y vejez. En su juventud vestía ropas preciosas, estaba lleno de ambición y tenía labios voluptuosos. Parecía un árbol en el viento. Se puede imaginar que debería ser un hombre romántico y talentoso. En la mediana edad, sus cejas mostraban cansancio, su ropa era sencilla y había ganado peso. En la mediana edad, la gente tiene muchas preocupaciones, por lo que parece que es inevitablemente vulgar. En su vejez, vestía ropas nobles, con un adorno similar a un reloj de bolsillo colgado en su pecho. Sus ojos claros revelaban reflexiones filosóficas, la curvatura de las comisuras de su boca y una leve sonrisa mostraban que tenía una comprensión clara. el mundo, y no importaba si lo veía claramente. Las tres etapas de la vida se resumen completamente aquí.
4. El arte occidental en el siglo XIX
El neoclasicismo apareció por primera vez en el siglo XIX. Obras como "La muerte de Marat" y "El juramento de los hermanos Horacios" contaron la historia. Palabras como responsabilidad, grandeza y solemnidad son inseparables de nuestro léxico artístico. El óleo "La muerte de Marat" muestra la trágica escena de Marat, un importante líder de la Revolución Francesa, que acababa de ser apuñalado: la puñalada y la sangre tiñendo de rojo la toalla de baño, la mano que sostenía la pluma colgando fuera de la bañera, y con la otra mano sostuvo con fuerza la nota que le entregó el asesino. El autor utiliza imágenes impactantes para expresar la devoción por el clasicismo. "El juramento de los hermanos Horacios" utiliza a los tres héroes de la historia romana, los hermanos Horacios, para prestar juramento a su anciano padre antes de la guerra, mostrando su lealtad y sentido del honor hacia el país, mientras los gritos y lamentos de los las mujeres a su lado fortalecen su imagen heroica y resuelta.
En cuanto al romanticismo, debemos recordar primero el nombre de Hugo. Elaboró teóricamente el romanticismo y realizó importantes exploraciones en la literatura y la pintura.
Sus novelas "Notre Dame de Paris" y "Los Miserables" son mundialmente famosas; su pintura "Whirlstone Lighthouse" utiliza la personificación para convertir el faro en un abanderado del romanticismo. También está "La libertad guiando al pueblo" (autor: Delacroix), que se ha incluido en los libros de texto de historia de la escuela secundaria. En la pintura, la Estatua de la Libertad expone sus pechos, sostiene la bandera en alto y conduce a los revolucionarios hacia la luz. Es muy emocionante. Otro cuadro de Delacroix, "La muerte de Sardanábal", muestra la escena en la que el rey se disponía a inmolarse junto con todos los tesoros, caballos y mujeres del asedio. El lecho rojo del palacio, sedas, riendas, bridas y la larga cortina. , los ojos del rey inclinados hacia abajo desde arriba, la mujer en la esquina inferior derecha con el cuello cortado, toda la imagen es emocionante y tiene un enorme poder artístico explosivo. Esta pintura es tal como Delacroix escribió en su diario: "El color es la música de los ojos. Se combinan como notas... sentimientos inalcanzables".
El realismo posterior prestó más atención a la realidad social y a la vida cotidiana de los civiles, como en "La empacadora de heno" de Millais y "Tres mujeres en la Iglesia" de Leiber. El "Estudio" de Courbet debería ser su obra maestra. Describió su cuadro así: "Este cuadro está dividido en dos partes. Yo estoy en el centro, pintando; a la derecha están todos los accionistas, es decir amigos, trabajadores y amantes del mundo del arte. A la izquierda está otra vida ordinaria El mundo de la gente corriente, los miserables, los pobres, los ricos, los explotados, los explotadores y los que viven de los muertos... Una modelo femenina desnuda está detrás de mi silla "Este cuadro es muy simbólico. El. El pintor del cuadro parece ser el Santo Padre, utilizando su caballete para separar el bien del mal y llevar a cabo el juicio final.
Lo que más me impactó fue el impresionismo que surgió después. La fotografía revela la diversidad de representaciones y la importancia de capturar directamente los verdaderos sentimientos. El impresionismo pone más énfasis en el sentimiento subjetivo del pintor y en la capacidad de capturar momentos. Están convencidos de que los paisajes cambian según el tiempo, la estación y el clima. Esta tentación momentánea y de corta duración los lleva a la fantasía artística que se desvanece e interminable. Se cree generalmente que el fundador de esta escuela de pintura es Manet. En su "Almuerzo sobre la hierba" pintó a una mujer desnuda y a un caballero bien vestido juntos, charlando y cenando alegremente, expresando de forma exagerada su deseo de franqueza y libertad. El anhelo de un estilo de vida secular y sus métodos de pintura brillantes y contrastantes son un gran avance con respecto a la tradición.
El término "Impresionismo" surgió de la obra "Impresión, amanecer" de Monet, que representa la escena de una mañana brumosa en el puerto de Le Havre, Francia: un sol rojo se proyecta sobre el mar, y el El agua está teñida de lavanda, el cielo es rojizo, el agua se ondula, los barcos que se balancean son brumosos, las siluetas de las personas son vagamente perceptibles y las chimeneas de las fábricas y las grúas de los grandes barcos se asoman en la distancia. Esto surgió de la impresión momentánea que tuvo mientras miraba desde una ventana. Su pincelada fue audaz y novedosa, creando un estilo de pintura de una generación.
Creo que todo el mundo está familiarizado con la historia de Van Gogh, que ha sido descrita en detalle en "La Autobiografía de Van Gogh" de Stone. No es un auténtico impresionista, pero es un verdadero genio. Incluso los girasoles corrientes fueron pintados por él con el verdadero significado de la vida. Al apreciar el cuadro inmortal "Girasoles", se puede experimentar la pasión ardiente del pintor y la sensación de movimiento giratorio, así como el contraste de color puro, fuerte, espeso y poderoso, que encarna plenamente el emocionante efecto de la imagen. El temblor y la pasión de su alma. . En este momento, el girasol ya no es una planta tranquila, sino una forma de vida con impulso y pasión primitivos. Las sandalias de paja y los trabajadores que pintó también brillaron con la luz del genio y revelaron sentimientos de compasión.
Maestros relacionados con el Impresionismo incluyen a Gauguin, Cezanne, etc.
5. El dilema y la evolución del arte moderno
El siglo XX fue una era de industrialización. El hormigón armado se convirtió en un material de construcción muy utilizado. Si bien los edificios enfatizaban la belleza, también eran más. práctico y laicidad. Los rascacielos de estilo europeo se han extendido por todo el mundo con la globalización y se pueden encontrar en todos los cinco continentes. Esto es especialmente frecuente en la China urbanizada, lo que hace que las ciudades tengan el mismo aspecto. Mis clásicos favoritos, como la Ópera de Sídney y la pirámide diseñada por I.M. Pei para la entrada al Louvre, son muy raros en China.
En el bosque urbano, en las crisis humanitarias provocadas por las dos guerras mundiales y en las ideologías cambiantes, el arte necesita un cambio urgente. Influenciado por diversas tendencias ideológicas como el simbolismo, el realismo crítico, el impresionismo, el naturalismo y el esteticismo, Picasso abrió un nuevo mundo del cubismo. Los pintores del pasado miraban a las personas o las cosas desde un ángulo y lo que pintaban era sólo el lado tridimensional. Inspirándose en tecnologías modernas como la perspectiva de rayos X, el cubismo mostraba las cosas de una manera completamente nueva. Observaban las cosas desde múltiples ángulos que eran imposibles de ver desde el frente y expresaban varios lados de manera yuxtapuesta o superpuesta. En "Las muchachas de Aviñón", Picasso sitúa los colores de las cinco mujeres desnudas sobre un fondo azul. El fondo también está dividido de forma arbitraria, sin sensación de distancia. Los personajes están compuestos por formas geométricas. Se asemeja a una máscara africana de madera. Las piernas abiertas de la mujer en la esquina inferior derecha recuerdan el sexo y la fertilidad. En la parte inferior de la imagen hay varias frutas que están llenas de símbolos y metáforas y siguen siendo un secreto inexplicable hasta el día de hoy. Esto refleja las características del arte moderno del siglo XX: el autor sólo proporciona un espacio y una posibilidad para que los lectores participen en la creación, y el tema se genera en la interacción entre el autor y el lector (incluso no hay tema alguno). .
Kandinsky también llevó el arte moderno a una gran abstracción, convirtiendo el examen de la apariencia de las cosas por parte de las personas en una "participación interna". En su obra "Black Bow, No. 154", los temas específicos y los juicios visuales han desaparecido, y sólo la combinación de colores y formas crea un violento conflicto de impulso y tensión, que recuerda a las guerras mundiales o a las huelgas. "White Line, No. 232" se maneja de una manera suelta y atmosférica. Los bloques de color se enfatizan mediante un patrón de líneas rectas fuertes y bordes curvos regulares, tal vez para expresar la interacción del espacio y las galaxias.
Los artistas posteriores fueron cada vez más lejos, y esas formas geométricas caprichosas y combinaciones de colores extremadamente abstractas se volvieron cada vez más confusas. Los artistas intentaron romper con la tradición, pero en cambio quedaron cada vez más atrapados en un laberinto, trascendiendo. Realismo, performance... una variedad de términos no pueden ocultar la confusión estética, al menos a mí no me gusta esta etapa del arte. Por supuesto, hay algunos artistas que están volviendo a la tradición, prestando atención a la realidad y utilizando símbolos concisos para expresar temas, pero sus logros aún están muy por detrás de los de los dos siglos anteriores.
En cuanto al arte en la era de Internet, la lectura de imágenes ha comenzado a tener prioridad sobre la lectura de textos. El desarrollo de los efectos de luz y sonido y la producción por computadora han hecho que la creación sea más ambigua. Aún no está claro. En la búsqueda constante, sólo podemos apreciar el presente y mirar hacia el pasado.
La musa se queda sin palabras cuando la escarcha aprieta.