Matisse nació en el pequeño pueblo de Lecade, en el sur de Francia. Su padre es un hombre de negocios y su madre trabajó como pintora en una fábrica de cerámica. Pasó su adolescencia en Villemainduit. Después de graduarse de la escuela secundaria, siguió los deseos de su padre y se fue a París para estudiar derecho. Después de completar sus estudios, regresó a Saint-Quentin, cerca de su ciudad natal, y trabajó como empleado en un bufete de abogados. . Cuando tenía 21 años sufrió de apendicitis y fue ingresado en el hospital. Para matar el tiempo aburrido, su madre le regaló una caja de pinturas, un juego de pinceles y un manual de autoaprendizaje sobre pintura. Mientras pintaba, Matisse sintió "libertad, tranquilidad y tranquilidad" por primera vez en su vida. La pasión de Matisse por la pintura estaba fuera de control y una oportunidad accidental se convirtió en un punto de inflexión en su vida. En sus propias palabras: "Me parecía llamado. A partir de ahora, ya no domino mi vida, pero ella me domina a mí".
La maestra que tuvo mayor influencia en él fue Augusta Mauer Gustave Moreau. (1826-1898), se puede decir que Moreau dio forma a Matisse. Moreau le dijo una vez a Matisse: "En el arte, cuanto más simple sea tu método, más obvio será tu sentimiento". Fue esta frase la que guió el estilo pictórico de Matisse, permitiéndole utilizar líneas simples y trazos distintivos. El color dio forma a todo lo que concebía y tenía. profunda influencia en su práctica artística de toda la vida.
En el Salón de Otoño de 1905, Matisse condujo a los fauvistas por el camino hacia la fama. En ese salón expuso "La ventana abierta" y un cuadro de Matisse, titulado Granville. (1803-1847) provenía de una familia de artistas y en su juventud dibujó caricaturas para varias publicaciones satíricas. Durante el reinado de Luis Felipe durante la Monarquía de Julio (1830-1848), las caricaturas de los periódicos de París eran extremadamente satíricas y ridículas. Daumier, los hermanos Joanno y Monier eran figuras famosas de esa época.
Glanville es mejor conocido por su colección de grabados Metamorfosis del día (1829). Se trata de una sátira social sobre el estilo parisino. Los animales visten ropas humanas y desempeñan diversos papeles en el mundo. Los detalles de la representación sitúan a Glanville entre los grandes ilustradores del siglo XIX. También imitó "La comedia humana" de Balzac y creó un conjunto de pinturas de género "La vida pública y privada de los animales". La editorial cuenta con un comité de ilustraciones para ilustrar las obras de Balzac, Musset, Jules Yanan, Charles Nodier y otros. En cambio, "La vida pública y privada de los animales" utiliza principalmente imágenes.
En 1844, Granville publicó "Otro mundo", que atrajo la atención de Baudelaire y pronto se ganó el favor de los surrealistas como obra modelo de su escuela. Uno de los capítulos se titula "Festival de las Flores", y pasa de la metamorfosis animal a la metamorfosis vegetal. En palabras de un crítico, se pasa de la "transformación humano-animal" a la "transformación humano-planta". Este es también todo el proceso de la creación final de Glanville de "Mujeres sobre flores".
"Mujeres sobre flores" todavía se adhiere a la práctica habitual del autor, que es que Granville haga los dibujos y el escritor escriba el texto. Esta vez fue escrito por tres escritores: Taxir Delor, Alphonse Carr y Count Fricks, quienes fueron los responsables de sus respectivas partes. Todos los autores del texto admiten que "la pluma es sólo el narrador del libro y el pincel es el verdadero poeta". El libro contiene una colección de especies de flores famosas cultivadas en jardines franceses, flores y plantas exóticas de países extranjeros y flores y plantas silvestres.
En el pasado, los cómics de Glanville han mostrado una sátira mordaz y un realismo balzaciano, mientras que en "Women Over Flowers" ha mostrado una poesía suave y elegante. Usó una observación delicada y una rica imaginación para usar flores para mostrar los pensamientos y sentimientos de las mujeres, explorar los sentimientos de las flores que habían sido ignorados por generaciones anteriores y abrir un mundo nuevo.
Glanville no perseguía la precisión científica. Era un artista, no un biólogo. Se limitó a estudiar los hábitos de las flores y las plantas en el Jardín Botánico de París y les dio fantásticas explicaciones. para seguir este camino Hay muchas maneras de expresar el espíritu de las flores y las plantas. De hecho, estos tres escritores se han deshecho de la actitud seria de los biólogos y de las explicaciones aburridas, y se centran en experimentar la diversión sencilla y placentera de la naturaleza. Son únicos en sus sutilezas e ingenuos, y de hecho reflejan la perspectiva social de la gente del siglo XIX. . "La mujer del sombrero". "La ventana abierta" es quizás el primer ejemplo de un tema plenamente desarrollado que seguiría siendo la preferencia de Matisse por el resto de su vida. Es sólo una pequeña parte de la pared y las ventanas ocupan mucho espacio.
Las ventanas se abrían de par en par al mundo exterior: el balcón con sus macetas y enredaderas, y luego el mar, el cielo, los barcos. Las paredes interiores y las ventanas aquí se componen de amplias franjas verticales en verde brillante, azul, morado y naranja; el mundo exterior es un patrón magníficamente decorado compuesto de pequeñas pinceladas brillantes. Las pinceladas se expanden desde pequeños puntos verdes hasta trazos más amplios de rojo claro, blanco y el azul del mar y el cielo.
Por su radical abandono formal, "La dama del sombrero" causó mayor sensación que "La ventana abierta". La pintura se extiende por la pintura indiscriminadamente, no sólo el fondo y el sombrero, sino también el rostro y los rasgos de la mujer, todo delineado con atrevidos trazos verdes y bermellones.
Matisse era un hombre que sabía absorber las ventajas de varias categorías de arte. Estudió la combinación de colores de las alfombras orientales y las escenas del norte de África, y desarrolló un estilo que tuvo una gran influencia en el diseño moderno. "La mesa del comedor" es una de sus pinturas de 1908. En esta obra podemos ver a Matisse cambiando la escena frente a él con patrones decorativos. La interacción entre el patrón del papel pintado y la textura del mantel sobre el que se coloca la comida constituye el tema principal del cuadro. Incluso los personajes y el paisaje visto a través de las ventanas pasan a formar parte de este patrón. Los contornos de la mujer y los árboles están muy simplificados e incluso distorsionados para que coincidan con las flores empapeladas, y parecen completamente consistentes. En este cuadro de colores vivos y contornos sencillos, también podemos ver algunos de los efectos decorativos de los dibujos infantiles.
Edita este párrafo de su vida
Nació el 31 de diciembre de 1869 en la pequeña localidad de Lecadou, en el sur de Francia.
En 1879, a la edad de 10 años, ingresó en la escuela pública y estudió principalmente latín y griego.
1887, 18 años, egresado del bachillerato. Su padre lo envió a París para estudiar Derecho, que aprobó con éxito.
En 1889, a la edad de 19 años, después de completar oficialmente sus estudios, regresó a Saint-Condan, cerca de su ciudad natal, y trabajó como empleado en un bufete de abogados. Su trabajo principal era copiar la información almacenada en. archivos.
En 1890, a la edad de 21 años, ingresó en el hospital aquejado de apendicitis. Para matar el aburrido rato, su madre le envió una caja de útiles de pintura y le pidió que copiara los dibujos del cuadro. tapa de la caja. Inesperadamente, la pasión de Matisse por la pintura se salió de control y una oportunidad accidental se convirtió en un punto de inflexión en su vida.
En 1891, a la edad de 22 años, convenció a su padre para que volviera a París con la ambición de convertirse en pintor. Matisse estudió por primera vez con el pintor académico Bouguereau.
En 1892, con 23 años, se traslada al estudio del pintor simbolista Moreau para estudiar. Animado por Moreau, estudió detenidamente las pinturas recogidas en el Louvre, copió constantemente las obras de varios maestros del arte, dibujó en las calles de París y exploró su propio camino artístico.
En 1896, a la edad de 27 años, cuatro de sus óleos se exhibieron públicamente por primera vez en el "Salón de la Liga Nacional de Arte" y fueron un éxito.
En 1898, a la edad de 29 años, el incipiente Marty se casó gradualmente y comenzó un negocio. Su esposa era una mujer amable y virtuosa. Su anhelado deseo de ser pintor se hizo realidad, y él. Intentó crear esculturas entre pinturas.
En 1899, cuando tenía 30 años, las pinturas de paisajes, figuras y bodegones de Matisse eran muy diferentes a las del pasado. La sencillez de las formas y los colores brillantes sorprendieron a su maestro Moreau.
1896-1904 fue un período en el que los artistas buscaban nuevos rumbos. Matisse tenía la idea de la innovación en su corazón y comenzó a prestar atención a las obras del impresionismo, neoimpresionismo y postimpresionismo, con la esperanza de nutrirse de varios estilos. Durante un tiempo, salió a las calles, cafés y otros lugares para pintar innumerables cuadros, lo que le permitió familiarizarse más con las características del color de Cézanne y también le animó a estudiar nuevas técnicas.
En 1903, a la edad de 34 años, aparecieron tempranamente en sus obras obras con evidentes características "fauvistas".
En 1905, con 36 años de edad, cuando se inauguró la exposición de arte del Salón de Otoño de París, un crítico llamado Louis Vosseur quedó atónito ante los óleos pintados al azar con colores puros. En el centro de la sala hay una estatua de Donatello. Los críticos la señalaron y exclamaron: "¡Donatello está rodeado de fieras!". Esta broma condujo al surgimiento de un nuevo género en la historia del arte occidental: el fauvismo. Alma de la tendencia, el nombre de Matisse se ha extendido como la pólvora y es famoso en todo el mundo.
1903-1906 fueron los tres años en los que floreció el fauvismo.
Durante este período, los oponentes fueron maldecidos uno tras otro, y Matisse también fue fuertemente atacado. Afortunadamente, algunos coleccionistas fueron perspicaces y compraron una gran cantidad de sus obras, y Matisse instantáneamente valió cien veces más.
Después de 1906, la creación artística de Matisse entró en un período prolífico. Sus exposiciones individuales se han realizado en París, Nueva York, Moscú, Londres, Estocolmo, Berlín y otras ciudades. También aprovechó para viajar a Europa y el norte de África, visitando arte en diversos lugares para buscar nuevas fuentes de inspiración. Se convirtió en uno de los pintores más activos de la comunidad pictórica internacional de la época.
1914, 45 años. Matisse pasaba cada año el invierno en el puerto sureño de Niza. Completaba numerosas obras en un tranquilo estudio. Las mujeres y los bodegones de habitación eran sus temas favoritos.
Después de 1920, Matisse amplió sus campos creativos y sus logros en escultura, grabado, murales e ilustraciones también demostraron un talento extraordinario.
Después de 1930, su arte alcanzó su apogeo y sus compañeros lo promovieron como el maestro de arte más famoso de este siglo.
En 1941, a la edad de 72 años, Matisse sufrió una enfermedad intestinal y se sometió a dos dolorosas operaciones. La enfermedad nunca lo abandonó desde entonces. Su debilidad física le impedía pararse frente al lienzo y pintar, por lo que comenzó una nueva creación artística: el corte de papel. Para recortar trabajos coloridos, tiñó el papel de colores que necesitaba y siguió cortando mientras se apoyaba en la cama. El anciano parecía pasar sus últimas horas entreteniendo a los niños. Aunque pasó casi los dos últimos años de su vida en la cama, su creatividad nunca se detuvo.
El 3 de noviembre de 1954, Matisse falleció en Niza, donde había vivido durante mucho tiempo, a la edad de 85 años.
Henri Matisse (1869-1954)
Él y Picasso son los dos pintores más importantes del siglo XX. Nacieron en un pueblo de Le Cateau, región de Picardía, al norte de Francia. Una familia de comerciantes y comerciantes de cereales. Estudió derecho de 1882 a 1887, pero luego abandonó su carrera jurídica y se dedicó a la pintura. Estudió con William-Adolphe Bouguereau en la clase preparatoria del Julian College. En 1892, fue admitido en la Academia de Bellas Artes y estudió. bajo el estudio del pintor simbolista Moreau. La discusión de Moreau sobre la subjetividad del color de la pintura tuvo una gran influencia en Matisse. Moreau creía: "No se pueden obtener tonos bellos copiando la naturaleza. Los colores de las pinturas deben depender del pensamiento, la imaginación y los sueños". Tras abandonar la Academia de Bellas Artes, se dejó influenciar por el puntillismo neoimpresionista de Signac y pintó "Lujo, tranquilidad, alegría" (1904), que se basó en el poema de Baudelaire "Un viaje a la isla de Cetes": "Allí, todo Es tan hermoso y ordenado, lujoso, pacífico y lleno de alegría."
Este cuadro muestra la gran capacidad creativa de Matisse como pintor del color. La combinación de puntos de color rosa, amarillo y azul está llena de felicidad y alegría. Este cuadro le granjeó la admiración de muchos pintores jóvenes.
Al principio, el propio Matisse se mostró insatisfecho con la relación entre líneas y colores en el cuadro "Lujo, Tranquilidad, Alegría" de las obras de Gauguin, lo que le impulsó a adoptar un estilo decorativo, utilizando la combinación de líneas planas. Las áreas de color separadas por líneas árabes resuelven el conflicto entre líneas y colores. Este logro es aún más evidente en "La alegría de vivir", que completó después de 1905. Un grupo de damas orientales disfrutan de la alegría de la vida en la encantadora playa. La vista lejana muestra a un grupo de mujeres bailando en círculo, en contraste con la postura inmóvil de las mujeres desnudas en el primer plano.
El concepto de representar el paraíso o una época dorada en las artes visuales se remonta al Renacimiento. El círculo de bailarines del cuadro de Matisse se puede ver en "El amor en la edad de oro" de Carachi (1589-1595) y en "La edad de oro" de Ingres (1862). Aunque Matisse siempre utilizó temas occidentales antiguos como material fuente, su inspiración provino del arte oriental. El gran tamaño y los colores llamativos de la pintura causaron sensación en ese momento. Signac vio este cuadro antes de la exposición y le escribió a un pintor amigo suyo: "Todavía me gusta la exploración de Matisse, pero ahora se ha enamorado de mí. A dos metros y medio del lienzo, dibujó algunas figuras extrañas con líneas como grueso como un pulgar, y luego cubrió toda la imagen con un color plano y bastante seguro. Era un color puro, parecía repugnante "¿Quién iba a decir que la obra de Matisse sería probada por la historia del arte moderno como la primera obra maestra del siglo XX? siglo que precedió a "Las señoritas de Aviñón" de Picasso.
Encarna el concepto estético del brutalismo, que consiste en colores llamativos, formas simples, composición armoniosa y un fuerte interés decorativo.
En el Salón de Otoño de 1905, además de este cuadro, Matisse expuso otras dos obras: "Ventana abierta" y "Mujer con sombrero". Los colores apasionados e intensos parecen haberse liberado de las ataduras de la apariencia fría y están un paso más allá que Gauguin, Moreau y Bernard.
En 1908, Matisse publicó sus "Notas sobre un pintor", en las que analizaba vívidamente sus opiniones artísticas y tuvo una gran influencia en la pintura moderna. Dijo: "Me resulta imposible reproducir la naturaleza servilmente. Me veo obligado a interpretar la naturaleza y hacerla obedecer al espíritu de mi pintura. Si se encuentran todas las relaciones tonales que necesito, hay que obtenerlas de ellas. Produciendo una imagen vivaz Conjunto de colores, una composición armoniosa. La elección de los colores no se basa en la ciencia (como en los neoimpresionistas), los colores me llegan de forma totalmente instintiva. El arte de los sueños está lleno de equilibrio, pureza y tranquilidad, sin perturbar. o temas llamativos es un tipo de arte que es un medio de calma y un consuelo espiritual para cada trabajador espiritual, al igual que lo es para los artistas. Para él, significa encontrar la paz del trabajo diario. y el trabajo." Las obras de su vida, incluidas las posteriores durante las dos guerras mundiales, implementaron este espíritu. Por ejemplo, "Armonía roja en la mesa de la comida", "Niña tocando la guitarra", etc. En 1927, Matisse recibió una beca de la Fundación Carnegie, viajó a Estados Unidos y creó el famoso mural "Danza". En sus últimos años, no podía escribir debido al reumatismo, por lo que utilizó recortes de papel de colores para hacer imágenes decorativas, lo cual era único.
Para estudiar el cuerpo humano, Matisse recurrió a la escultura. Creó alrededor de 70 esculturas a lo largo de su vida. El uso de arcilla para dar forma a figuras le ayudó a comprimir mejor las formas sólidas en un plano bidimensional para lograr un efecto holístico. Dijo: "Lo hice para componer, para organizar mis sentimientos, para encontrar un estilo que se adaptara a mí. Cuando lo encontré en la escultura, me ayudó en la pintura. Las obras representativas de este período son "Esclavos". La postura de este "esclavo" recuerda a "El hombre que camina" de Rodin. Esto parece ser una señal de que las esculturas de Matisse se están transformando de la tradición a la modernidad.
El gran entusiasmo de Matisse por el arte escultórico era igual que su uso de colores plenos y puros en las pinturas. Su objetivo era lograr un volumen y una forma que "instintivamente me surgieron". "Desnudo reclinado I", pintado en 1907, fue una "traducción" del óleo "Cuerpo humano azul" que pintó al mismo tiempo en una escultura. Posteriormente, "Figuras decoradas" (1908), "Hombre serpentino" (1909) y "Cruz en el pecho" (1910) reflejaron su exploración del lenguaje escultórico y tuvieron una gran influencia en la escultura moderna.
Como poderosa corriente de pensamiento modernista, el brutalismo desapareció después de 1908. Pero para Matisse, el fauvismo no significó la formación de su estilo, sino sólo el comienzo. Más tarde, Braque se convirtió en un maestro del cubismo y Rouault fue invitado por los expresionistas alemanes a participar en sus exposiciones. Se convirtió en uno de los pocos grandes pintores religiosos del arte moderno. La mayoría de los pintores del fauvismo se volvieron mediocres y desconocidos en sus carreras artísticas posteriores. La chispa de creatividad que habían desatado durante el período brutalista se estaba extinguiendo lentamente.
Después de Brutalismo, Matisse continuó su exploración. Hasta 1920 utilizó diversas técnicas libres para crear un nuevo espacio pictórico, y también vivió un breve período de cubismo. La famosa "Armonía en rojo" (1911), comparada con su primera obra impresionista "La mesa del comedor", parece mostrar una vez más los cambios revolucionarios en la pintura de Matisse. Abandonó la perspectiva tradicional y utilizó relaciones de color y toques de arabescos para crear nuevas ilusiones espaciales, creando un nuevo reino exótico, misterioso y extraño. De 1907 a 1910, Matisse continuó explorando la relación entre línea, color y espacio en sus temas hedonistas preferidos, como el paraíso en la tierra y la edad de oro. El más famoso de ellos es "La danza", pintado en 1909. Este tema apareció una vez en la vista lejana de "La alegría de vivir".
Matisse visitó España y Marruecos entre 1910 y 1913, y creó las pinturas de paisajes más coloridas de su vida, mostrando su amor por el sol y las costumbres exóticas.
Su exploración del cubismo comenzó durante este período. Entre las obras famosas se incluyen "Variaciones de la naturaleza muerta de Desim" (1915-1917), "Marroquíes" (1916), etc. Las pinturas cubistas de Matisse nunca parecen tener objetos fragmentados. A través de estas obras, se entrenó en cómo geometrizar y simplificar objetos, y cómo evitar la decoración excesiva. "La lección de piano" (1916-1917) es su obra cubista más distintiva y exitosa. Matisse dispuso grandes bloques de colores brillantes en arreglos abstractos sin cambiar su punto de vista. Consiga el efecto de ser a la vez decorativo y espacialmente profundo. Después de la Primera Guerra Mundial, Matisse pintó un gran número de cuadros de figuras. Estas pinturas tienen un fuerte sentido de la forma o se expresan principalmente en líneas. Son muy hermosas y conmovedoras, y muestran el refinamiento y la pureza del arte de Matisse. En sus últimos años, Matisse experimentó con las relaciones cromáticas a través de recortes de papel de colores. Utilizó esta forma única para ilustrar libros o decoraciones de interiores y lograr hermosos efectos decorativos.
El arte de Matisse en sus últimos años es extremadamente conciso, con un arte decorativo plano. Sin embargo, su grandeza radica en su capacidad para trascender el aburrido y estrecho mundo decorativo, creando así el "concepto de" Gran Arte. Decoración". Matisse siguió siendo tan radical en sus últimos años como lo había sido en sus días fauvistas. La prueba de la enfermedad desde 1941 y la propia guerra han mejorado su capacidad de comprensión. A finales de la década de 1940 pintó una serie de escenas de interiores llenas de luz y color. En 1950, los bloques de color en sus pinturas comenzaron a tener interés independiente. Durante este período, Matisse se volvió cada vez más frágil y comenzó a utilizar el corte y pegado de colores. Esta técnica se convirtió en su principal método creativo en sus últimos años: primero se coloreaban trozos de papel según sus necesidades y luego se recortaban para ensamblar la imagen. . Este método, que exigía extrema sencillez, perfeccionó el talento decorativo de Matisse (ver la obra "Arrastrándose"). Los vivos efectos de color que logró en sus obras posteriores fueron de gran importancia para aquellos jóvenes artistas.
Obra: Danza, creada en 1909-1910. Cuando Matisse llevaba el modelo a la orilla del Mediterráneo, creía que esta obra estaba estrechamente relacionada con la emoción alegre que le proporcionaba el Mediterráneo. El cuadro El azul del fondo simboliza el cielo azul del sur en pleno verano y agosto. El gran verde recuerda a la tierra verde esmeralda. El color cinabrio de los personajes simboliza el cuerpo moreno y saludable de los habitantes del Mediterráneo. Imagen salvaje y desenfrenada. Los bailarines parecían estar controlados por un ritmo poderoso, áspero y primitivo. Se tomaban de las manos y formaban un círculo, girando sus cuerpos y bailando salvajemente con sus extremidades. Él no era un artista, no. El biólogo sólo estudió los hábitos de las flores y las plantas en el Jardín Botánico de París y les dio explicaciones fantásticas. Le pidió al autor del texto que siguiera esta línea de pensamiento para expresar el espíritu de las flores y las plantas. Estos tres escritores se han librado de la actitud seria de los biólogos y de las explicaciones aburridas, centrándose en experimentar la diversión sencilla y placentera de la naturaleza. Son únicos en sus sutilezas e ingenuos y, de hecho, reflejan la perspectiva social de la gente del siglo XIX. /p >